El compositor David del Puerto, Premio Nacional de Música, mantiene una desbordante actividad creadora. Al mismo tiempo que continúa disfrutando de los éxitos que le está reportando su versión del Lazarillo, pronto estrenará una nueva ópera de cámara, A solas con Marilyn, con libreto de Alfonso Zurro, así como un encargo del Lux Nova Duo, entre otras. Al mismo tiempo, mantiene su actividad pedagógica y estará de nuevo este verano en los Cursos Internacionales Música en Compostela
Por Susana Castro
El próximo 18 de mayo tu ópera Lazarillo podrá verse en el Cartuja Center Cité como parte de la programación del Teatro de la Maestranza, tras haberse estrenado con mucho éxito en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares el pasado año. ¿Qué concepto de esta obra universal te ha servido como impulso creador?
¡Pues, justamente, su universalidad! Lazarillo es, ante todo, una novela sobre el hambre y la miseria, que acompañan a la humanidad en toda época y lugar, y parece que sin atisbos de remedio. Esto hace de la obra un referente absoluto. Me parece también muy sugerente que un texto tan universal sea anónimo y, por tanto, carente de toda mitología en torno a la figura y biografía de un autor.
El libreto es de Martín Llade. ¿Cuál ha sido vuestro sistema de trabajo?
La propuesta del proyecto fue enteramente de Martín. La acepté entusiasmado, y dejé en sus manos el libreto en la confianza absoluta de que el talento literario y el refinado conocimiento de la obra original nos llevarían a tener un texto excelente. Martín, conservando casi al cien por cien el castellano de la novela, la sometió a una cirugía extraordinaria de la que resultó un libreto que roza la perfección.
Para la producción habéis contado con la Compañía Teatro XTremo, ¿qué aporta su visión a este montaje?
Teatro XTremo entró en mi vida hace tiempo: la soprano Ruth González lleva años cantando mi música, y las propuestas escénicas de Ricardo Campelo me resultan enormemente atractivas y cercanas. Trasladarnos a un clásico del siglo XVI supuso en cierto modo una salida de la ‘zona de confort’ para la compañía, centrada sobre todo en textos actuales y propuestas candentemente modernas, pero precisamente por ello, tuve la absoluta convicción de que el concepto de escena de Ricardo era una aportación profunda y sustancial a un texto tan antiguo como intemporal. Así ha sido.
Tras su estreno, pasó por el Teatro Leal de San Cristóbal de La Laguna (Tenerife) el julio pasado, pero la recepción fue tan buena que se programaron este año varias sesiones escolares. ¿Cómo habéis conseguido conectar con los jóvenes a través de una obra que tiene casi 500 años de existencia?
Lazarillo sigue siendo, por fortuna, un texto presente en las clases de los estudiantes españoles hoy día. Este conocimiento previo tuvo, claro está, un gran papel en la decisión del Teatro Leal. Para acercarnos con más sentido a la gente joven, me encargaron realizar una versión abreviada de la obra, algo totalmente lógico en nuestro tiempo zapeante. No fue fácil decidir qué cortar y qué dejar, pero creo que finalmente logré redondear una versión sin lagunas ni agujeros visibles (ni literarios ni musicales), que dura 50 minutos clavados. Casi la mitad. Todo ello unido a la modernidad de la escena y la altura interpretativa de voces y músicos, dio como resultado un espectáculo que, realmente, entusiasmó a los estudiantes. Esto nos enseña que mimando los aspectos esenciales —referencias previas, dimensiones, estilo, interpretación—, la juventud puede entrar en la ópera contemporánea con toda la ilusión del mundo.
¿Tenéis a la vista alguna cita más con esta producción?
Sí, en este mismo mes de mayo se ha representado en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas el día 4, y el 18 se hace, como sabéis, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. El próximo 30 de noviembre se representará en el Teatro Góngora de Córdoba.
Por otra parte, estás a punto de estrenar una nueva ópera, A solas con Marilyn, con libreto de Alfonso Zurro. ¿Cuál es su temática? ¿Cómo la describirías musicalmente?
A solas con Marilyn es, originalmente, un magnífico monólogo de Alfonso Zurro, muy conocido en el mundo de la escena y muchas veces representado. Puesto en marcha el proyecto por TeatroXTremo, Alfonso se ofreció a convertir su obra en un libreto operístico, reorganizando el texto y dándole una dimensión dialogada, con dos personajes presentes en escena. Su temática es dura, básicamente una historia de abandono, desamor, celos y desesperación que culmina en un trágico asesinato. Para servir un texto tan íntimo e intenso como este, y dar además una dimensión moderna, portátil y viajera al espectáculo, hemos acudido a una plantilla mínima, que comprende dos voces (la soprano Ruth González y la mezzo Blanca Valido), dos instrumentos polifacéticos (Ana María Alonso, viola eléctrica, y yo mismo, guitarra eléctrica) y electrónica grabada.
¿Dónde se podrá asistir a su representación?
El estreno tendrá lugar en el Teatro Auditorio de El Escorial el próximo 12 de julio, y la llevaremos al Corral de Comedias de Alcalá de Henares el 20 de julio. En septiembre, los días 26 y 27, la presentaremos en Tenerife, y para el año que viene se anuncian ya nuevas representaciones, que iremos publicando oportunamente.
Quienes seguimos tu trayectoria sabemos que tu actividad compositiva es frenética, por eso también tienes pendiente de estreno este mes Mas los cuentos vida son (velada para barítono y piano sobre poemas de José G.ª Vázquez). ¿Cómo surge este proyecto y quiénes se encargarán de llevarlo adelante?
Se trata de una extensa obra para un barítono-actor y piano, de 55 minutos de duración, que he subtitulado ‘Un viaje en seis escenas’. La propuesta nació de mi gran amigo el poeta, escritor, traductor políglota y melómano irredento José García Vázquez, que me ofreció este complejo y formidable texto en el que traza un paralelo entre horas del día, estaciones del año y edades del ser humano. Esta idea cíclica es enormemente sugerente desde el punto de vista musical y lo he vestido con toda la variedad de miradas posible, para intentar recrear en canto y piano este viaje común al cosmos, la tierra y la persona. Sus intérpretes serán dos músicos que conocen a fondo mi música: el barítono Enrique Sánchez-Ramos y el pianista Mario Prisuelos. Se estrenará el próximo 31 de mayo en la Sala Falla de la sede madrileña de la SGAE.
Tienes una íntima relación con la guitarra, hay una gran parte de tu producción dedicada al instrumento. El año pasado se estrenó Cuerdas del viento, una obra escrita para el Cuarteto de Guitarras de Andalucía y soprano. Podrá volver a escucharse en el marco del Festival de la Guitarra de Córdoba. ¿Cuáles son los elementos más destacados de esta obra?
Se trata de una obra que nació de mi admiración por este espléndido cuarteto andaluz. Nos pusimos de acuerdo para desarrollar un proyecto lírico-guitarrístico, que finalmente decidí que tomara como base nueve textos del Poema del cante jondo de García Lorca. La obra, de una hora aproximada de duración, se estrenó en 2023 en el Festival de la Guitarra de Sevilla, uniéndose al cuarteto la maravillosa —todo lo que se diga es poco— soprano japonesa Sachika Ito, y contando con la ayuda inestimable de Juan García Rodríguez, director de Zahir Ensemble. El estreno fue un éxito, y ahora los mismos intérpretes la llevan al Festival de la Guitarra de Córdoba. Será el 9 de julio.
Tu actividad no se queda en España, ya que acabas de recibir un encargo de Hamburgo para realizar una Fantasía sobre Guernica de Picasso. ¿Cómo se ha gestado esta propuesta?
Nació a iniciativa de Lux Nova Duo, formado por la acordeonista Lydia Schmidl y el guitarrista Jorge Paz, un conjunto con una gran proyección tanto en Alemania como fuera del país. La unión de acordeón y guitarra me resulta especialmente querida: esta fue la base de mi grupo rejoice!, con Ángel Luis Castaño, al que se unía una voz de soprano. De manera que el encargo de este extraordinario dúo residente en Alemania me resultó muy apetecible. La propuesta Lydia y Jorge unía al dúo un ensemble de ocho músicos, que dirigirá el maestro Eddie Mora. Y el tema del proyecto, el mítico óleo Guernica de Pablo Picasso, no podía ser más estimulante… La obra se estrenará el 9 de noviembre en el Hamburgo, y de ella extraeré asimismo una versión para dúo de acordeón y guitarra sin ensemble.
Desde 2021 eres profesor de composición de los Cursos Internacionales Música en Compostela, que celebrarán su 66.ª edición del 28 de julio al 10 de agosto. ¿Qué tipo de formación ofrecéis en este marco?
Este gran evento pedagógico anual fue fundado por iniciativa de Andrés Segovia en 1958. Está dedicado íntegra y exclusivamente a la música española de todos los tiempos, lo que le confiere un carácter absolutamente singular, que potencia la difusión de nuestro patrimonio sonoro, tanto histórico como vivo y palpitante. Allí conviven desde la polifonía o la música de tecla de nuestro Siglo de Oro hasta los estrenos de los jóvenes alumnos de composición participantes, en las manos y las voces de los discípulos de las cátedras de interpretación. La formación es realmente intensiva: se trata de dos semanas de incesante actividad en la ciudad, con clases colectivas e individuales, conciertos y conferencias, en el marco de una convivencia estrecha que, como vemos año tras año, potencia hasta el límite la creatividad y la capacidad de trabajo de los alumnos. En el caso de la composición, desarrollo con los alumnos tanto obras ya empezadas como proyectos nuevos, y les invito asimismo a escribir una obra, adecuada a las posibilidades del evento, para ser estrenada en la edición siguiente por sus compañeros intérpretes.
¿Cómo es el proceso de selección de alumnado que participa en estos cursos?
En el caso de la composición, y aunque se solicita del aspirante el envío de curriculum y formación académica, los verdaderos argumentos para la selección son las obras propias que manden, tanto por lo que muestren de oficio, experiencia y facilidad como, sobre todo por lo que nos informen acerca de la creatividad y vocación del alumno.
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